Shocking! I Os mundos surreais de Elsa Schiaparelli

Vogue USA, 15 Março 1937. Horst p Horst, (fotógrafo americano, 1906 – 1999). Créditos da imagem: © Horst P Horst, Vogue / Condé Nast. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Pormenor do "Phoebus" Capa de Inverno 1937/1938. Elsa Schiaparelli, (1890-1973). Lã, seda e bordado. Créditos da imagem: © Valérie Belin. Colecção Musée des Arts Décoratifs, Paris. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Vestido de Noite, Verão de 1939. Elsa Schiaparell, (1890-1973). Seda. Créditos da imagem: © Les Arts Décoratifs / Christophe Dellière. Colecção Musée des Arts Décoratifs, Paris. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Colar,1938. Jean Clément, (1889- 1963). Metal dourado montado sobre tecido. Créditos da imagem: © Les Arts Décoratifs / Jean Tholance. Créditos da imagem: © Adagp, Paris, 2022. Colecção Musée des Arts Décoratifs, Paris. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Shocking, Frasco de Perfume, 1937. Leonor Fini, (1907 – 1996) e Fernand Guéry-Colas,( 1902 -1957). Cristal e vidro. Créditos da imagem: © Archives Schiaparelli. Créditos da imagem: © Adagp, Paris, 2022. Colecção Archives Schiaparelli. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Vestido de Noite, 1937. Elsa Schiaparelli em colaboração com Salvador Dali, (1904-1989). Seda. Créditos da imagem: © Philadelphia Museum of Art. Colecção Philadelphia Museum of Art. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Salvador Dalí,1939. George Platt Lynes, (1907 –1955). Fotografia. Créditos da imagem: © Estate of George Platt Lynes. Colecção Estate of George Platt Lynes. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Caixa de Pó Arroz em Forma de telefone, 1935. Salvador Dalí, (1904-1989). Resina e metal. Créditos da imagem: © Archives Schiaparelli. Créditos da imagem: © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí / Adagp, Paris. Colecção Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Schiaparelli, 21 Place Vendôme 1953. Marcel Vertès, (1895 – 1961). Colagem e pintura sobre painel. Créditos da imagem: © Archives Schiaparelli. Colecção Archives Schiaparelli. Cortesia Musée des Arts Décoratifs, Paris.

Casaco de Noite Inverno 1938/1939. Elsa Schiaparelli, (1890-1973). Lã, seda e porcelana. Créditos da imagem: © Les Arts Décoratifs / Christophe Dellière. Colecção Musée des Arts Décoratifs.

"Trabalhar com artistas como Bébé Bérard, Jean Cocteau, Salvador Dalí, Vertèse Van Dongen, com fotógrafos como Honingen-Huene, Horst, Cecil Beaton e Man Ray, era entusiasmante. Senti-me ajudada, encorajada, para além da realidade material e aborrecida e enfadonha realidade de fazer um vestido para venda”.

                                                                                                                                             Vida chocante, Elsa Schiaparelli - 1954

 

De 6 de Julho de 2022 a 22 de Janeiro de 2023, o Musée des Arts Décoratifs, em Paris vai homenagear o trabalho ousado e inspirador de Elsa Schiaparelli, uma designer italiana cuja criação foi incentivada por uma relação privilegiada com os artistas da vanguarda parisiense das décadas de 1920 e de 1930. Quase 20 anos depois da retrospectiva dedicada a ela em 2004, o museu quis dar um novo olhar sobre o seu trabalho a fim de redescobrir a sua inovadora fantasia, o seu gosto pelo espectáculo e a sua modernidade artística.

Shocking! Os Mundos Surreais de Elsa Schiaparelli, reúne 520 obras, incluindo 272 peças de vestuário e acessórios de moda, ao lado de pinturas, esculturas, jóias, frascos de perfume, cerâmica, cartazes e fotografias dos maiores nomes da época, de Man Ray a Salvador Dalí, de Jean Cocteau a Meret Oppenheim e Elsa Triolet. Esta grande retrospectiva também destaca o legado do estilo de Schiaparelli com silhuetas interpretadas por costureiros célebres que lhe prestaram homenagem, como Yves Saint Laurent, Azzedine Alaïa, John Galliano, Christian Lacroix.

Daniel Roseberry, o director artístico de Schiaparelli desde 2019 para todas colecções e projectos e para a imagem, da Casa fundada por Elsa Schiaparelli, em 1927.  A exposição é apresentada no Christine & Stephen A. Galerias de Moda Schwarzman no Musée des Arts Décoratifs, em Paris numa cenografia poética e imersiva por Nathalie Crinière.

Na nossa era contemporânea, em que o diálogo estreito entre moda e arte é tomado como um dado adquirido, Elsa Schiaparelli parece mais do que nunca ser do nosso tempo, como uma designer "inspirada", pois gostava de se definir, criando um ambiente humanista e erudito.

Elsa Schiaparelli (1890-1973) abraçou a moda sem nunca negar o seu profundo fascínio pela arte e artistas, ao mesmo tempo que se tornou tanto uma designer como uma mulher de imagem, apreciando a alta-costura como um caleidoscópio de vestidos de noite, roupa de rua, vestuário desportivo, acessórios e perfumes. Evitando os constrangimentos de um meio social, ela ofereceu-lhe a liberdade de explorar formas e inspirações, aquelas que ela construiu com espírito e humor com os seus amigos artistas, muitos dos quais a consideraram, ela própria uma artista de pleno direito.

Combinando abordagens temáticas e cronológicas, a exposição está organizada em dois níveis em torno dos momentos-chave da obra de Elsa Schiaparelli, ligando as colecções mais notáveis de ano para ano, algumas das quais, em conjunto com os artistas envolvidos, funcionando como fontes sensíveis da sua criatividade. No conceito da exposição, estes temas artísticos pontuam as etapas da vida de Elsa Schiaparelli. A sala de introdução, apresenta um espaço espectacular e imersivo, que mergulha o visitante num ambiente total dedicado aos desenhos da designer.

As colecções de Schiaparelli, que se conservam às centenas: destacam a extensão do trabalho da designer. O despertar da artista para a moda e a modernidade é explorada, assim como o papel decisivo do costureiro Paul Poiret, que a conheceu em 1922. Poiret foi um verdadeiro mentor de Schiaparelli, ela revelou a sua vocação como costureira.

Elsa Schiaparelli fez então camisolas com motivos trompe-l’œil, uma ideia tão engenhosa quanto radical. Ao mesmo tempo, desenvolveu um gosto pela Art Deco, nomeadamente através do contacto com Jean Dunand, que concebeu para ela um vestido refinado com pregas pintadas com laca.

Depois inaugurou uma série notável de colaborações que iluminaram uma constelação de artistas, como Elsa Triolet, Jean Cocteau e Salvador Dalí para as suas colecções de moda e acessórios. Ela desenvolveu o seu sentido agudo do pormenor, através de modelos inspirados em grande parte na estética surrealista, desviando os motivos e os materiais mais surpreendentes: plásticos transparentes, botões com a forma de um lagostim, botões em forma de lápis de cera, "bolsos de gaveta" e lagostas. Ela também inspirou Man Ray e como o seu modelo em numerosas fotografias, que testemunhavam esta cumplicidade admirável.

A exposição continua com as colecções temáticas que Elsa Schiaparelli iniciou por conta própria em torno de fontes de inspiração que lhe eram caras: Antiguidade Italiana, natureza e música.

A colecção "Païenne" é uma inspiração à Antiguidade em referência às metamorfoses de Ovídio, a colecção "Papillon" é uma ode aos insectos (uma fonte de inspiração partilhada com artistas surrealistas), a colecção "Musique" de 1939 parece alongar a silhueta da mulher moderna até ao infinito.

O duo mítico de Elsa Schiaparelli e Salvador Dalí, movido por um gosto picante por escândalos e provocações artísticas, é realçado numa sala dedicada a eles, revelando o icónico "vestido da lagosta" ou o célebre "chapéu de sapato", uma espécie de uma fascinação surrealista.

O segundo andar abre para uma reconstrução dos salões de alta-costura de Elsa Schiaparelli, então localizados na Place Vendôme, 21, em Paris, que ela abriu em 1935. 

Para realizar o design e a decoração de interiores, Elsa chamou Jean-Michel Frank pelas suas linhas puras, sofisticadas e elegantes. Ela vestiu as mulheres mais extravagantes do mundo e ganhou rapidamente um sucesso enorme internacional.

A Redoma de perfume mostra delicadamente as suas criações olfactivas originais, incluindo o célebre perfume “Shocking”, que se tornou um sucesso mundial, dando pleno significado ao brilhante sentido de marketing da designer. Também é dada ênfase à arte complexa e luxuosa dos bordados e ao gosto de Schiaparelli pelas obras da “Maison Lesage”, fundada em 1924.

Elsa Schiaparelli recorreu à casa de Lesage para fazer bordados personalizados, como muitas casas de moda têm feito desde os anos 20.

As colecções de 1938 e 1939 foram inspiradas pela imaginação da "commedia dell'arte", e pelas personagens da colorida comédia italiana do século XVIII,

a chamada colecção "astrológica", à qual ela mistura referências barrocas com referências a Versalhes e ao Rei Sol, com a celebração do século XVII francês, e finalmente a colecção "Circo" com os seus sumptuosos boleros bordados com cavalos, acrobatas e elefantes. Os desenhos anteriores à guerra mostram uma silhueta bastante estreita, enquanto os desenhos do pós-guerra são mais cheios e amplos e mais construídos.

A mostra termina com silhuetas contemporâneas de Daniel Roseberry, com um final espectacular que traduz com sensibilidade e força a inspiração surrealista da sua eminente fundadora.

Em vinte e cinco anos, Elsa Schiaparelli fez da moda um sopro natural da vanguarda, um campo de jogos onde ela reinventou tanto a mulher como a feminilidade, o fascínio e o espírito, numa obra que continua a ser de uma actualidade impressionante. Encarna uma visão de uma Paris brilhante e vibrante, curiosa sobre tudo, desfrutando de cada coisa nova. É esta incrível liberdade criativa que a exposição deseja oferecer aos visitantes, a liberdade de surpreender, a liberdade de diálogo, a liberdade de ser para surpreender, liberdade para dialogar, liberdade para ser eu próprio, através de modelos, desenhos e jóias, muitos dos quais - milhares deles no caso dos desenhos - foram doados por Elsa Schiap em 1973 à “Union française des Arts du Costume”, cujas investigações estão agora preservadas pelo Musée des Arts Décoratifs, em Paris. Este é um gesto final moderno, o de preservar o seu património artístico a fim de o transmitir e assim permitir que a história continue, intemporalmente, a de ter vivido a sua arte como um lugar fértil para o cruzamento mais inesperado e mais fértil.

Theresa Bêco de Lobo