O MOMA- Museum of Modern Art, em Nova Iorque,  de 1 de Maio a 10 de Setembro de 2022, apresenta a exposição: “Matisse: O Estúdio Vermelho”, uma exposição centrada na obra e na história de Matisse. A obra “O Estúdio Vermelho” (1911), uma pintura que tem permanecido entre os trabalhos mais importantes do MoMA, desde que foi adquirida em 1949. A grande tela retrata o estúdio do artista repleto das suas pinturas e esculturas, mobiliário, e objectos decorativos. Esta exposição reúne as obras de arte expostas no Atelier Vermelho pela primeira vez, desde que deixaram o estúdio de Matisse. A apresentação inclui também material de arquivo nunca antes visto e pinturas e desenhos relacionados com esta obra. A exibição é organizada por Ann Temkin, Curadora Chefe de Pintura e Escultura do The Museum of Modern Art, e Dorthe Aagesen, Curadora Chefe e Investigadora Sénior do SMK - Galeria Nacional da Dinamarca; com a assistência de Charlotte Barat, Madeleine Haddon, e Dana Liljegren; e com a colaboração de Georges Matisse e Anne Théry representantes dos Arquivos de Henri Matisse, em Issy-les- Moulineaux, França. Após a sua apresentação no MoMA, a exposição será exposta no SMK - The National Gallery of Denmark ,em Copenhague, de 13 de Outubro de 2022, até 26 de Fevereiro de 2023.

 

“Agora com mais de 110 anos, O estúdio Vermelho é simultaneamente um marco dentro da tradição secular das pinturas de estúdio e uma obra fundamental da arte moderna. O quadro continua a ser uma pedra de toque para qualquer artista que assuma a tarefa de retratar o seu estúdio. A decisão radical de Matisse de saturar a superfície da obra com uma camada de vermelho tem fascinado gerações de investigadores e artistas. No entanto, ainda há muito por explorar em termos da origem e história da pintura," disse Ann Temkin.

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O núcleo da exposição apresenta a pintura “Estúdio Vermelho”, juntamente com as seis pinturas e quatro esculturas sobreviventes retratadas nesta obra. Estes objectos foram criados entre 1898 e 1911 e variam desde pinturas familiares, tais como “O Jovem Marinheiro (II)” (1906), a obras menos conhecidas, tais como “Córsega. O Velho Moinho” (1898), e objectos que só recentemente foram descobertos. Enquanto estas Ttês destas pinturas – “Banhistas” (1907), “O Luxo (II)” (1907-08), e Nú com Pano Branco” (1909) -pertencem à colecção  do museu  SMK, a placa de cerâmica do artista de 1907, vem da colecção do MoMA. A exposição inclui também uma série de pinturas e desenhos estreitamente relacionados com o “Estúdio Vermelho”, tais como “Estúdio, Quai Saint-Michel” (1916/17) e “Grande Interior Vermelho” (1948), que ajudaram os investigadores a estudarem o complexo percurso da pintura desde o estúdio de Matisse até às suas posteriores viagens internacionais e à sua eventual aquisição pelo MoMA. Foram selecionados uma série de materiais de arquivo, como cartas e fotografias - muitos deles, nunca foram antes publicados ou expostos - divulgam novas informações sobre a evolução e a recepção da pintura. A exposição inclui também um vídeo dedicado à ciência da conservação, que apresenta descobertas recentes sobre o processo de realização da pintura. Um espaço criativo dentro da mostra convida os visitantes de todas as idades a desenhar, escrever e reflectir sobre os espaços e cores que inspiraram Matisse.

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A mostra retrata o ambiente de trabalho do artista na cidade de Issy-les- Moulineaux, nos arredores de Paris. “O Estúdio Vermelho” foi pintado como parte de uma sequência de obras solicitadas por Sergei Shchukin, o patrono inicial mais leal e corajoso de Matisse. Shchukin avidamente adquiriu o quadro antecessor, “O Estúdio Cor de Rosa”, mas recusou-se a adquirir “O Estúdio Vermelho”. O quadro permaneceu na posse de Matisse durante 16 anos, durante os quais viajou para a Segunda Exposição Pós-Impressionista em Londres em 1912 e para Nova Iorque, Chicago, e Boston para a Exposição de Armory de 1913. “O Estúdio Vermelho” foi adquirido finalmente em 1927 por David Tennant, o fundador do Gargoyle Club em Londres, um clube só para membros, que atendia tanto artistas como aristocratas. O quadro ficou pendurado no Gargoyle Club até ao início dos anos 40; pouco depois, foi comprado por Georges Keller, director da Galeria Bignou em Nova Iorque. Em 1949, “O Estúdio Vermelho” foi comprado para a colecção do MoMA. Desde essa altura, tem permanecido, como uma das obras mais influentes do Museu e tem sido especialmente admirado por artistas ao longo dos séculos XX e XXI.

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Publicação

A exposição é acompanhada por um volume ilustrado que apresenta as pinturas e esculturas retratadas no “Atelier Vermelho”, desde obras célebres até peças menos conhecidas, cuja localização só recentemente foi descoberta. Um ensaio narrativo de Ann Temkin, Curadora Chefe de Pintura e Escultura no Museu de Arte Moderna, Nova Iorque, e Dorthe Aagesen, Curadora Chefe e Investigadora Sénior na SMK em Copenhaga, traça a vida do “Estúdio Vermelho”, desde a encomenda inicial da obra, passando pela sua história inicial da exposição e propriedade, até à sua chegada ao MoMA. Com a sua investigação inovadora e um olhar atento da obra,” Matisse: O Estúdio Vermelho” oferece um novo olhar sobre nosso conhecimento deste marco histórico da arte do século XX. 

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Como parte da exposição “Matisse: O Estúdio Vermelho,” e representa um espaço participativo oferecendo aos visitantes uma oportunidade de reflectir sobre as ideias da exposição, expressar-se através de desafios criativos, e convidar à ligação com as suas próprias vidas e imaginações.

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As sugestões e conteúdos no espaço relacionam-se com três temas gerais da exposição: o poder da cor, os espaços que alimentam a criatividade e a imaginação, e os objectos que carregam significado nas nossas vidas.

 

Biografia

Henri-Émile-Benoît Matisse nasceu a 31 de Dezembro de 1869, em Le Cateau-Cambrésis, região do Nord-Pas de Calais, e cresceu em Bohain-en-Vermandois, na região da Picardia.

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Em 1887, foi para Paris para estudar Direito, trabalhando como um administrativo do tribunal de Le Cateau-Cambrésis. Quatro anos depois mudou-se para Paris, onde estudou na École des Arts Décoratifs e no atelier de Gustave Moreau.

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Inicialmente, pintava naturezas-mortas e paisagens num estilo tradicional flamengo. Chardin foi um dos pintores mais admirados por Matisse. Como estudante de arte, fez quatro cópias de pinturas de Chardin no Louvre. Em 1896, exibiu cinco pinturas no salão da Sociedade Nacional de Belas Artes e o estado comprou dois dos seus trabalhos. Em Luxemburgo, a partir de 1897, começou a interessar-se pelo Impressionismo. Em 1897 e 1898, visitou o pintor John Peter Russell na Belle-Isle, na costa da Bretanha. Russell introduziu-o no impressionismo e mostrou-lhe o trabalho de Van Gogh). O estilo de Matisse mudou completamente. Mais tarde, diria: "Russell foi meu professor e explicou-me a teoria da cor."

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Numa semana em que visitou Londres, conheceu a pintura de William Turner, que também viria a influenciá-lo, após o conselho de Camille Pissarro.

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Em 1901 expôs no Salão dos Independentes e participou pela primeira vez do Salão de Outono em 1903. Numa exposição realizada em 1904 em Ambroise Vollard não obteve grande sucesso. No ano seguinte, juntamente com o grupo, expôs no salão de Paris, mas dessa vez o grupo foi reconhecido como os “fauves” e Matisse como líder. Outra parte do público ficou escandalizada com as cores violentas e puras das suas obras.

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As várias viagens que realizou nesse período foram inspiradoras para o seu trabalho. Matisse visitou a Argélia, Itália, Alemanha, Marrocos, Rússia, Estados Unidos e Taiti.

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Desde 1904, Matisse trabalhou parte de cada ano no Sul, em Saint-Tropez e Collioure e, mais tarde, em Espanha e em Marrocos.

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Em 1909 expôs em Moscovo e, em 1910, realizou uma retrospectiva em Paris. As viagens que fez a Tânger, entre 1910 e 1912, influenciaram a sua obra. Em 1913 expôs no Armory Show, em Nova Iorque, e em 1920 realizou a cenografia e os figurinos para a obra de Strawinsky “Canto do Rouxinol,” montada pelos Ballets Russos de Diaghilev.

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Matisse na sua primeira fase mostrava-se como um descendente directo de Cézanne, em busca do equilíbrio das massas, mas também teve influências de Gauguin, Van Gogh e Signac, que o levaram a tratar a cor como elemento de composição. 

Em 1904/1905, a obra "Luxo, calma e voluptusidade" ainda revelava a influência dos pós-impressionistas, mas já demonstrava grande simplificação da cor, do traço e dos volumes. Em 1908, a euforia decorativa do " Aparador, harmonia vermelha" pintura fauvista, mostrava que Matisse já tinha um estilo próprio. 

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Dos pintores fauvistas, que exploraram o sensualismo das cores fortes, ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas, sem profundidade.

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Ao explorar ora o ritmo das curvas, como "A música" (1909) e "A dança" (1933), ora o contraste entre linhas e as zonas planas, como a "Grande natureza morta com beringelas" (1911/1912), Matisse procurou uma composição livre, sem outra ligação que não fosse a percepção    de uma harmonia plástica. A sua cor não se dissolvia em matizes, mas era delimitada pelo traço.

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O pintor já liberto do “fauvismo”, mostrou, às vezes, tendência a reduzir as linhas à essência, como "A lição de piano" (1916), mas não se interessou pela pura abstração. O amor pela exuberância decorativa aparece na "Blusa romena" e na série das "Odaliscas", de 1918.

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Desta última série destaca-se a pintura Odalisca de Vermelho, obra que permite observar que os temas e ambientes africanos continuam a influenciálo. Na maioria de tais obras aparece uma figura seminua sobre um divã. De um modo geral, as carnações apresentam tonalidades rosadas fortes, que se integram harmoniosamente no conjunto da pintura, uma vez que o artista recorria com preferência às cores vivas e quentes para representar os objectos e elementos decorativos do ambiente circundante. 

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Em 1927, organizou uma retrospectiva em Nova Iorque. De volta a Paris, trabalhou na ilustração de um romance de James Joyce, Ulisses, e também criou os figurinos dos ballets russos de Monte Carlo.

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Em 1941, adoeceu e sem poder viajar, utilizou experiências recolhidas nas suas viagens para aperfeiçoar a sua originalidade. A sua enfermeira, Monique Bourgeois, aceitou ser sua modelo. Nesse período, Matisse inventou a técnica de "desenho com tesoura", quando também implementou a série Jazz.

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Na sua fase final, o artista voltou-se para a esquematização das figuras, de que são exemplos a decoração mural "A dança", para a Barnes Foundation, em Merion, nos Estados Unidos, e os “papiers collés” ou “gouaches découpées” (técnica que chamou de "desenho com tesoura") que ilustram o Jazz (1947) e um livro com as suas impressões sobre a arte e a vida. 

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Henri Matisse foi também escultor e ilustrador. Em 1944, ilustrou as “Flores do mal”, de Baudelaire, e as Lettres portugaises (1946; Cartas portuguesas), atribuídas a Mariana Alcoforado, e ainda Les Amours, de Pierre Ronsard.

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Entre 1948 e 1951 dedicou-se à concepção arquitectónica e à decoração interior da capela do Rosário em Saint-Paul, perto de Vence, no sul da França. O autor considerava essa a sua melhor obra, e nela concebeu todos os detalhes, dos vitrais ao mobiliário, voltado para uma concepção mais ascética das formas, embora nos arabescos florais predomine uma linha sinuosa. Henri Matisse morreu em Nice, França, em 3 de Novembro de 1954.

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Henri Matisse (1869-1954) exerceu grande influência na pintura do século XX e Picasso considerava-o um grande rival. Mas as suas maiores influências foram a arte muçulmana, as gravuras japonesas e Cézanne.

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A arte de Matisse é caracterizada por traços de arabesco do desenho, cores finas, formas planas, já que usava o tema da composição, apenas como elemento secundário.

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A mostra evidência a mestria da cor e da luz nas pinturas de Matisse e a sua relação com os têxteis, os objectos, a arte Africana e Islâmica, como ponto de inspiração na sua obra. 

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Este evento apresenta um novo olhar sobre a arte deste pintor, que destaca esse seu dom de saber explorar a cor, utilizar a padronagem e as várias texturas dos seus objectos e ainda a sua paixão por eles.

 

O historiador de arte, Argan dizia que a obra de Matisse era feita para decorar a vida dos homens. Nas suas pinturas gostava de motivos repetitivos, usava formas curvas e cores variadas e também inventou a técnica do "desenho com tesoura".

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Theresa Bêco de Lobo