A mostra: “Edward Hopper’s New York”, está em exibição no Whitney Museum of American Art, em Nova Iorque de 19 de Outubro de 2022, até 5 de Março de 2023, oferece uma visão sem precedentes da vida e trabalho de Hopper na cidade de Nova Ioque, que ele chamou de lar durante quase seis décadas (1908/67). A exposição traça o fascínio duradouro do artista por esta cidade, através de mais de 200 pinturas, aguarelas, gravuras e desenhos da colecção notável do Whitney Museum of American Art e com obras de Hopper, de colecções públicas e privadas, e materiais de arquivo incluindo correspondência, fotografias, e cadernos de notas. Desde esboços iniciais a pinturas dos finais da sua carreira, Edward Hopper's New York revela uma visão da metrópole do próprio Hopper como um registo de uma cidade em mudança, cuja perpétua e por vezes tensa reinvenção se sente hoje, com uma importância relevante.

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Pinturas instantaneamente reconhecíveis que figuram na exposição, tais como “Automat” (1927), “Early Sunday Morning (1930), Room in New York” (1932), “New York Movie” (1939), e “Morning Sun” (1952), são acompanhadas por composições menos conhecidas, mas criticamente importantes, incluindo uma série de aguarelas de telhados e pontes de Nova Iorque e a pintura City Roofs (1932).

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"Edward Hopper's New York oferece uma oportunidade notável para celebrar uma cidade em constante mutuação, mas intemporal através do trabalho de um ícone americano", disse Adam D. Weinberg, o director do Museu Whitney. "À medida que Nova Iorque salta de volta após dois anos desafiantes de pandemia global, esta exposição reconsidera a vida e obra de Edward Hopper, serve como barómetro dos nossos tempos, e introduz uma nova geração de público ao trabalho de Hopper por uma nova geração de investigadores. Esta exposição oferece novas perspectivas e novas visões radicais".

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A mostra: “Edward Hopper's New York” é organizada por Kim Conaty, Steven e Ann Ames Curador do” Drawings and Prints”, com Melinda Lang, Assistente da Curadoria no Whitney.

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Edward Hopper

Edward Hopper nasceu na cidade de Hudson River de Nyack, Nova Iorque, em 1882, Hopper visitou Manhattan pela primeira vez em viagens de um dia com a família. Depois de concluir o liceu, mudou-se para a cidade para frequentar a Escola de Ilustração de Nova Iorque e a Escola de Arte de Nova Iorque. Em 1908 mudou-se definitivamente para a cidade, e passou a maior parte da sua vida, desde 1913 até à sua morte em 1967, a viver e trabalhar num apartamento no “3 Washington Square North, em Greenwich Village”. A ele juntou-se à sua mulher, a artista Josephine (Jo) Verstille Nivison, após o seu casamento em 1924. Jo desempenhou um papel crucial de apoio e colaboração na prática de Hopper, servindo como seu modelo de longa data e principal detentor de recordes. Uma selecção das aguarelas de Jo, capturando a sua casa em “Washington Square”, está incluída em “Edward Hopper's New York.

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"Hopper viveu a maior parte da sua vida aqui mesmo, a apenas quarteirões de onde hoje se encontra o Whitney", diz Conaty. "Ele viveu as mesmas ruas e testemunhou os incessantes ciclos de demolição e construção que continuam hoje, à medida que Nova Iorque se reinventa uma e outra vez. No entanto, como poucos outros o fizeram de forma tão pungente, Hopper capturou uma cidade que estava tanto em mudança como imutável, um lugar particular no tempo e um distintamente moldado pela sua imaginação. Ver o seu trabalho através desta lente abre novos caminhos para explorar até as obras mais icónicas de Hopper".

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Ao longo da sua carreira, Hopper observou assiduamente a cidade, honrando a sua compreensão do seu ambiente construído e das particularidades da experiência urbana moderna. Durante este tempo, Nova Iorque foi submetida a um tremendo desenvolvimento - os arranha-céus atingiram alturas recorde,

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Os locais de construção surgiram pelos cinco bairros, e as representações de Hopper, cada vez mais diversificadas, permaneceram à escala humana e em grande parte despovoadas. Deliberadamente evitando a célebre linha do horizonte e marcos pitorescos como a Ponte de Brooklyn e o “Empire State Building”, Hopper, em vez disso, voltou a sua atenção para estruturas utilitárias não conhecidas e cantos fora do caminho, atraídos pelas colisões de novos e velhos, cívicos e residenciais, públicos e privados que capturaram os paradoxos da cidade em mudança.

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A Exposição

A mostra está organizada em secções temáticos que abrangem toda a carreira de Hopper, a instalação compreende oito secções, incluindo quatro espaços expansivos de galerias que mostram muitas das pinturas mais célebres de Hopper e quatro pavilhões que se concentram em tópicos-chave através de reuniões dinâmicos de pinturas, obras em papel, e materiais de arquivo, muitos dos quais raramente foram expostos ao público.

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A exposição de Edward Hopper inicia-se com os primeiros esboços e pinturas dos primeiros anos de viagem do artista pela cidade e arredores, de 1899 a 1915, à medida que ele crescia de estudante de arte para um residente de Greenwich Village. Em “Moving Train” (c. 1900), “Tugboat” com “Black Smokestack” (1908), e “El Station” (1908), observou as formas como as pessoas ocupavam e se deslocavam pelo espaço dentro de um ambiente urbano em dramático desenvolvimento.

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Embora Hopper aspirasse ao reconhecimento como pintor, os seus primeiros sucessos vieram impressos através das suas ilustrações e gravuras, uma história importante apresentada numa secção da exposição intitulada "A Cidade em Impressão". As suas obras de arte para ilustrações e encomendas publicadas para revistas e anúncios apresentavam frequentemente motivos urbanos inspirados em Nova Iorque - teatros, restaurantes, escritórios, e habitantes da cidade - que se tornariam fundamentais para a sua arte. Durante este período inicial, ele também consolidou muitas das suas impressões de Nova Iorque através de gravuras como “East Side Interior “(1922) e “The Open Window” (c. 1918-19), que preveem o uso dramático da luz que se tornou sinónimo da obra de Hopper.

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"The Window", a secção seguinte, centra-se neste tema duradouro para Hopper - um motivo que ele explorou com grande interesse nas cenas da sua cidade. Enquanto passeava pelas ruas de Nova Iorque e andava nos seus comboios, Hopper foi particularmente atraído para as fronteiras fluidas entre espaço público e privado numa cidade onde todos os aspectos da vida quotidiana - desde mercadorias numa montra até momentos desprotegidos num café - estão igualmente expostos. Em pinturas à vista tais como “Automa”t (1927), Janelas da Noite (1928), e “Room in Brooklyn “(1932), Hopper imagina as ilimitadas possibilidades composicionais e narrativas das fachadas envidraçadas da cidade, o potencial para olhar e ser olhado, e a desconcertante consciência de estar sozinho numa multidão.

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“Edward Hopper's New York” apresenta, pela primeira vez juntos, as paisagens urbanas panorâmicas do artista, instaladas como um grupo numa secção da exposição intitulada "The Horizontal City". Domingo de manhã cedo (1930), Manhattan Bridge Loop (1928), “Blackwell's Island” (1928), “Apartment Houses”, “East River” (cerca 1930), e Macomb's Dam Bridge (1935), cinco pinturas feitas entre 1928 e 1935, todas partilham dimensões e formato quase idênticos. Vistos em conjunto, oferecem uma visão inestimável da visão contrária de Hopper sobre a cidade em crescimento, numa altura em que Nova Iorque estava cada vez mais definida pelo seu desenvolvimento incessante no céu.

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 Washington Square" destaca a importância do bairro de Hopper como a sua casa e musa durante quase 55 anos. Pinturas como “City Roofs” (1932) e Novembro, “Washington Square on November” (1932/1959) mostram o fascínio de Hopper pelas vistas da cidade visíveis das suas janelas e do seu telhado, e uma rara série de aguarelas - uma prática que ele geralmente reservava para as suas viagens à Nova Inglaterra e a outros locais - revela como estava sintonizado com as dinâmicas espaciais e as subtilezas do ambiente construído da cidade. Como documentado na correspondência exposta e nos cadernos de notas, os Hoppers eram ferozes defensores da Praça de Washington, e defendiam incansavelmente a preservação do seu bairro como um paraíso para os artistas e como um dos marcos culturais da cidade.

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"Teatro", uma galeria particularmente reveladora na exposição, explora a paixão de Hopper pelo palco e o papel crítico que desempenhou como um modo activo de espectador e fonte de inspiração visual. Esta secção inclui itens de arquivo como os talões de bilhetes preservados pelos Hoppers e os cadernos de notas do teatro e destaca as formas como os espaços teatrais e o desenho do cenário influenciaram as composições do artista, através das obras como “Two on the Aisle” (1927) e “The Sheridan Theatre” (1937). Além disso, a apresentação do New York Movie (1939) e um grupo dos seus estudos preparatórios, juntamente com esboços de figuras para outras pinturas, revelam a encenação da cena colaborativa de Hopper, na qual Jo desempenhou um papel activo como modelo.

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Ao longo da sua carreira, Edward explorou a cidade com um caderno de esboços na mão, registando as suas observações através do desenho, uma prática destacada nesta secção da exposição. Uma grande selecção dos seus esboços e estudos preparatórios sobre a vista da cidade, como "Sketching New York" que Hopper preferiu em toda a cidade, muitos dos quais o pintor regressou repetidamente a fim de captar diferentes impressões que ele poderia explorar mais tarde em tela.

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Finalmente, a galeria que apresenta "Realidade e Fantasia", através de um grupo de pinturas tardias ambiciosas, caracterizadas por uma geometria radicalmente simplificada e cenários fantasiosos, revelam como Nova Iorque serviu cada vez mais como cenário ou pano de fundo para as destilações evocativas da experiência urbana de Hopper. Em obras como “Morning in a City” (1944), “Sunlight on Brownstones” (1956), e “Sunlight in a Cafeteria” (1958), o pintor criou composições que partem de locais específicos, enquanto ainda se aproveitam das sensações urbanas, reflectindo o seu desejo, tal como no seu diário pessoal "Notes on Painting", de criar uma "arte realista a partir da qual a fantasia pode crescer".

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A carreira e o trabalho de Edward Hopper têm sido uma pedra de toque para o Whitney desde antes da fundação do Museu. Em 1920, aos trinta e sete anos, o artista  teve a sua primeira exposição individual no Whitney Studio Club. Foi lá incluído numa série de exposições antes do seu encerramento em 1928 para dar lugar ao Whitney Museum of American Art, que abriu em 1931. O trabalho de Hopper apareceu na primeira Bienal Whitney em 1932 e nas vinte e nove Bienais e Anuais subsequentes até 1965, bem como em várias exposições colectivas. A Whitney foi entre os primeiros museus a adquirir uma pintura Hopper para a sua colecção. Em 1968, a viúva de Hopper, a artista Josephine Nivison Hopper legou a totalidade do seu acervo artístico - 2500 pinturas, aguarelas, gravuras e desenhos - e muitas das suas próprias obras do seu estúdio em Washington Square. Hoje, a colecção do Whitney detém mais de 3.100 obras de Hopper, mais do que qualquer outro museu no mundo.

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Realista imaginativo, esse artista retratou com subjetividade a solidão urbana e a estagnação do homem causando ao observador um impacto psicológico. A obra de Hopper sofreu forte influência dos estudos psicológicos de Freud e da teoria intuicionista de Bergson, que buscavam uma compreensão subjetiva do homem e de seus problemas. O tema das pinturas de Hopper são as paisagens urbanas, porém, desertas, melancólicas e iluminadas por uma luz estranha. Os edifícios, geralmente enormes e vazios, assumem um aspecto inquietante e a cena parece ser dominada por um silêncio perturbador. As obras do artista com um estilo realista imaginativo, expressando uma arte individualista, embora com temas identificados aos da Ashcan School. Expressão de solidão, vazio, desolação e estagnação da vida humana, é expresso pelas figuras anónimas que jamais se comunicam. Pinturas que evocam silêncio, reserva, com um tratamento suave, exercendo frequentemente forte impacto psicológico com semelhanças com a pintura metafísica.

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Theresa Bêco de Lobo